1. Высокий Ренессанс в Средней Италии

   С  конца  XV  столетия  Италия  начинает  испытывать   все   последствия невыгодного для нее экономического соперничества с Португалией,  Испанией  и Нидерландами. Северные города Европы организовывают ряд военных  походов  на разрозненную  и  теряющую  свое  могущество  Италию.  Этот  трудный   период вызывает к  жизни  идею  объединения  страны,  идею,  которая  не  могла  не волновать лучшие умы Италии.

Общеизвестно, что  определенные  периоды  расцвета  искусства  могут  не совпадать  с  общим  развитием  общества,  его  материальным,  экономическим статусом. В трудные для Италии времена  и  наступает  недолгий  золотой  век итальянского Возрождения  -  так  называемый  Высокий  Ренессанс,  наивысшая точка расцвета  итальянского  искусства.  Высокий  Ренессанс  совпал,  таким образом,   с   периодом   ожесточенной   борьбы   итальянских   городов   за независимость. Искусство этого времени было пронизано  гуманизмом,  верой  в творческие силы человека, в неограниченность его  возможностей,  в  разумное устройство  мира,  в  торжество  прогресса.  В  искусстве  на  первый   план выдвинулись  проблемы  гражданского  долга,   высоких   моральных   качеств, подвига, образ прекрасного, гармонично развитого,  сильного  духом  и  телом человека-героя,  сумевшего  подняться  над  уровнем  повседневности.   Поиск такого идеала и привел искусство к синтезу,  обобщению,  к  раскрытию  общих закономерностей явлений, к выявлению их  логической  взаимосвязи. 

Искусство Высокого Ренессанса отрешается от  частностей,  незначительных  подробностей во  имя  обобщенного  образа,  во  имя  стремления  к  гармоничному  синтезу прекрасных  сторон  жизни.  В  этом  одно  из   главных   отличий   Высокого Возрождения от раннего[2].

1.1. Леонардо да Винчи

Первым  учителем Леонардо был Андреа Вероккио. Фигура ангела  в  картине  учителя  «Крещение» уже отчетливо демонстрирует разницу в  восприятии  мира  художником  прошлой эпохи и новой поры: никакой фронтальной  плоскостности  Вероккио,  тончайшая светотеневая моделировка объема и необычайная  одухотворенность  образа. 

Одной из вершин творчества Леонардо является фреска «тайная вечеря» в трапезной монастыря Санта Мария Делла Грацие. Эта работа поражает не только общей композицией, но и точностью. Леонардо не просто передает психологическое состояние апостолов, но делает это в момент, когда оно достигает критической точки, переходит в психологический взрыв и конфликт. Этот взрыв вызван словами Христа: «Один из вас предаст меня». В этом произведении Леонардо в полной мере использовал прием конкретного сопоставления фигур, благодаря которому каждый персонаж предстает как  неповторимая индивидуальность и личность.

Второй вершиной творчества Леонарда стал знаменитый портрет Моны Лизы, или «Джоконда». Это произведение положило начало жанру психологического портрета в европейском искусстве. При его создании великий мастер с блеском использовал весь арсенал средств художественной выразительности: резкие контрасты и мягкие полутона, застывшая неподвижность и всеобщая текучесть и изменчивость, тончайшие психологические нюансы и переходы. Весь гений Леонардо заключен в удивительно живом взгляде Моны Лизы, ее таинственной и загадочной улыбке, мистической дымке, покрывающей пейзаж. Это произведение относится к числу редчайших шедевров искусства.

Поразительная художественная глубина произведения определяется сложнейшей техникой письма маэстро, включающий «сфумато», перспективными, цветовыми, световыми, пропорциональными достижениями Леонардо да Винчи.

Известно еще несколько портретов кисти Леонардо: «Дама с горностаем» (1434 г., Краков), «Портрет музыканта» (Милан), но по уровню исполнения им далеко до Моны Лизы.

Последние годы жизни Леонардо провел при дворе французского короля Франциска I, окруженный всеобщим почитанием. Через два года после переезда, в 1519 г., он скончался.

   Искусство Леонардо да Винчи, его научные и  теоретические  исследования, уникальность  его  личности  прошли  через  всю  историю  мировой  культуры, оказали на нее огромное влияние[3].

1.2. Рафаэль Санти

С  творчеством  Рафаэля  (1483-1520)  в   истории   мирового   искусства связывается  представление  о  возвышенной  красоте  и   гармонии.   Принято считать,  что  в  созвездии  гениальных  мастеров  Высокого  Возрождения,  в котором Леонардо  олицетворял  интеллект,  а  Микеланджело  -  мощь,  именно Рафаэль был главным носителем гармонии. Конечно,  в  той  или  иной  степени каждый из них  обладал  всеми  этими  качествами.  Несомненно,  однако,  что неустанное  стремление  к  светлому  совершенному  началу  пронизывает   все творчество Рафаэля, составляет его внутренний смысл.

Рафаэля называли  Мастером  Мадонн.  Настроение  душевной  чистоты,  еще несколько наивное  в  одной  из  его  первых  небольших  картин  -  «Мадонна Конестабиле»   (1502-1503 гг.), - приобрело  возвышенный  характер  раннего периода Рафаэля  -   «Обручение  Марии»  (1504  г.).  Происходящая  на  фоне чудесной архитектуры сцена  обручения  Марии  и  Иосифа  представляет  собой образ высокой красоты.   Эта   небольшая  картина  уже  целиком  принадлежит искусству Высокого Возрождения. Главные действующие лица, группы  девушек  и юношей покоряют своим  естественным изяществом. Выразительны, певучи,  метки и пластичны их движения, позы и жесты: например, сближающиеся руки  Марии  и Иосифа, надевающего ей на  палец  кольцо.  В  картине  нет  ничего  лишнего, второстепенного. Золотистые,  красные  и  темно-зеленые  тона,  созвучные  с мягкой голубизной неба, создают праздничное настроение.

Успехи Рафаэля были настолько значительны, что в 1508 г. его  пригласили к  папскому  двору  в  Рим.  Художник  получил  заказ  на  роспись  парадных апартаментов Папы, так  называемых  станц  (комнат)  в  Ватиканском  дворце.

Наиболее важен римский период творчества Рафаэля, отмеченный созданием росписей папского дворца и большого алтарного образа «Сикстинской мадонны». Но переезда в Рим была серия прекрасных мадонн: «Мадонна Конестабиле», «Мадонна в зелени», «Мадонна со щегленком», «Мадонна в креслах».

Росписи  ватиканских  станц  (1509-1517гг.)  принесли   Рафаэлю   славу, выдвинули его в ведущие мастера не только Рима, но и Италии.

Как и прежде, Рафаэль вновь обратился к излюбленному  образу  Мадонны  с Младенцем.  Мастер  готовился  к  созданию   своего   великого   шедевра – «Сикстинской  Мадонны»  (1515-1519гг.)  для  церкви  Святого  Сикста   в Пьяченце. В истории искусства  «Сикстинская  Мадонна»  -  образ  совершенной красоты.

Рафаэль был замечательным мастером рисунка. Здесь  ярко  проявилось  его безупречное, легкое, свободное чувство линии. Значительный вклад он  внес  и в архитектуру. Само имя Рафаэля – Божественного Санцио – в дальнейшем  стало лицетворением идеального, наделенного божественным даром художника.

С великими почестями он был погребен в римском Пантеоне,  где  его  прах покоится и поныне[4].

1.3. Микеланджело Буонарроти

Микеланджело Буонарроти (1475-1564) – величайший мастер Высокого Возрождения, создавший выдающиеся произведения скульптуры, живописи и архитектуры.

В 1469 г. он приехал в Рим, где к нему вскоре пришла слава. Самое известное произведение первого римского периода – «Пьета» («Оплакивание Христа») (1498 – 1501 гг.) в капелле собора Святого Петра. На коленях слишком юной для такого взрослого сына Марии распростерто безжизненной тело Христа. Горе матери светло и возвышенно, лишь в жесте левой руки словно выплескивается наружу душевное страдание. Белый мрамор отполирован до блеска. В игре света и тени его поверхность кажется драгоценной.

Вернувшись во Флоренцию в 1501г., Микеланджело взялся исполнить колоссальную мраморную статую Давида (1501–1504гг.). Статуя достигает пяти с половиной метров высоты. Она олицетворяет безграничную мощь человека. Давид только готовится нанести противнику удар камнем, пущенным из пращи, но уже ощущается, что это будущий победитель, полный сознания своей физической и духовной силы. Лицо героя выражает несокрушимую волю.

Самое грандиозное произведение монументальной живописи Высокого Возрождения - роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватикане, выполненная Микеланджело в 1508-1512гг.

Ему пришлось покрыть фресками более 600 квадратных метров. На огромных поверхностях плафона Микеланджело изобразил ветхозаветные сюжеты – от Сотворения мира до Потопа, а также сцены из повседневной жизни – мать, играющая с детьми, погруженный в глубокое раздумье старик, читающий юноша и т.д.

Во второй раз (1535 – 1541) Микеланджело создает фреску «Страшный Суд», разместив ее на алтарной стороне Сикстинской капеллы. В центре композиции, в световом нимбе находится фигура Христа, поднявшего в грозном жесте правую руку. Вокруг него расположено множество обнаженных человеческих фигур. Все изображенное на полотне приведено в круговое движение, которое начинается внизу, с левой стороны, где изображены восстающие из могил мертвецы. Выше них расположены устремленные вверх души, а над ними – праведники. Библейский смысл Страшного Суда выражен ярко и впечатляюще.

В последние годы Микеланджело занимается архитектурой. Он завершает строительство собора св. Петра, внеся изменения в первоначальный проект Браманте[5].

2. Позднее   Ринашименто