|
(1756 – 1791)
1. Характеристика творчества Моцарта. Стилевые особенности музыки Моцарта: мелодика, гармония, полифония, фактура.
Величайший гений мировой музыкальной культуры – Моцарт – принадлежал к венской классической школе (австрийский композитор). В музыке Моцарта органично сочетается культ разума, идеал благородной простоты, присущий просветительскому классицизму, и культ сердца, богатство душевного мира, рождённые тем художественным направлением немецкой литературы 70-80-х гг. XVIII века, которое получило развитие «Буря и натиск» (отвергнув эстетику классицизма, представители «Бури и натиска» требовали изображения сильных страстей, героических деяний, отстаивания национального своеобразия искусства. И. Гердер – главный теоретик; Гете, Шиллер). Недаром Пушкин в маленькой трагедии «Моцарт и Сальери» сказал о Моцарте: «Какая глубина! Какая смелость и какая стройность!».
Нет таких жанров, в которых Моцарт не писал бы. При этом во всех жанрах он создал истинные шедевры. В этом – одно из проявлений моцартовского универсального мышления.
Каталог произведений Моцарта, составленный Кёхелем (1-е издание - 1862г.; исправленное издание под ред. Альфреда Эйнштейна (музыковед, двоюродный брат Альберта Эйнштейна) - 1937г.), включает свыше 600 произведений, в том числе:
14 опер;
41 симфония (не считая нескольких юношеских сочинений и Концертной симфонии для скрипки и альта с оркестром, не входящих в основную нумерацию);
27 фортепианных концертов с оркестром;
5 скрипичных концертов с оркестром;
8 концертов для духовых инструментов с оркестром (флейты, кларнета, фагота и т.д.);
камерно-инструментальные произведения (трио, квартеты, квинтеты);
множество дивертисментов, серенад для оркестра и различных инструментальных ансамблей (в т.ч. и «Маленькая ночная серенада»);
свыше 30 сонат для скрипки и фортепиано;
18 фортепианных сонат;
15 вариационных циклов;
4 фантазии;
Реквием;
мессы, кантаты, арии, песни.
И все это создано на протяжении очень недолгой жизни (35 лет). Очень многие сочинения Моцарта утеряны.
В области оперного жанра Моцарт совершил реформу, создав собственную передовую оперную эстетику.
В области инструментальной музыки Моцарт, подытожив опыт мангеймских и венских мастеров старшего поколения, а также и Й. Гайдна, достиг высочайших вершин: раскрыл новый мир мыслей и чувств, глубже и полнее отразил действительность с ее жизненными коллизиями, подготовив тем самым почву для рождения искусства Бетховена и романтиков XIX века.
По сравнению с Гайдном, в музыке Моцарта связи с народно-песенными истоками не столь прямые и непосредственные: они сложнее и тоньше. Влияние австрийской народной песенности органически сочетается с воздействием итальянской, французской музыки (Моцарт с детства много путешествовал по Европе).
Моцарт – один из величайших мелодистов. Мелодии Моцарта изящны, певучи, с обилием хроматизмов, задержаний (Симфония g-moll, I часть, П. П.). Но Моцарту свойственны также мелодии мужественного характера. Им свойственны внутренняя конфликтность, наличие контрастных элементов (Соната c-moll, I часть, Г. П.).
Гармонический язык Моцарта неразрывно связан с мелодикой, придаёт ей большую выразительность. Это «мелодическая», певучая гармония. Но мелодия доминирует над гармонией. Основа гармонии - простые функции (T-S-D). Вместе с тем, смелые модуляции и далёкие тональные сопоставления (часто в драматических произведениях) приводили в смущение современников Моцарта.
Полифония в музыке Моцарта занимает важное место. Моцарт – один из величайших полифонистов. Он развивает баховскую полифонию, но на основе стилистических принципов венской классической школы, в которой господствует гомофонно-гармоническое мышление (например, 1-я тема финала симфонии «Юпитер» - сочетание сонатного allegro и тройной фуги; тема Allegro из увертюры к «Волшебной флейте», изложенная фугато).
Фактура Моцарта – ясная, прозрачная, тонкая, изящная.
2. Периодизация творчества Моцарта.
В жизни и творчестве Моцарта принято выделять два основных периода:
Зальцбургский (1756 - 1780) – 24 года,
Венский (1781 - 1791) – 10 лет.
В Зальцбурге Моцарт родился, воспитывался, учился, находился на придворной службе у архиепископа, написал множество сочинений различных жанров, но не достиг ещё полной творческой зрелости.
В Вене, куда Моцарт переехал после разрыва с архиепископом, он был независим, свободен от придворной службы. Здесь он создал свои величайшие произведения во всех областях музыкального искусства, вплоть до знаменитого Реквиема.
Особо необходимо выделить детство Моцарта как значительную страницу его творческой биографии (до создания оперы «Митридат, царь Понтийский» - 1770 г.). Как известно, у Моцарта очень рано обнаружились феноменальные способности (абсолютный музыкальный слух и музыкальная память). В 3-хлетнем возрасте он импровизировал на клавесине, в 4-хлетнем – написал концерт для клавесина. В 6 лет он играл на клавире для австрийской императрицы. Будучи подростком, Моцарт был уже автором ряда крупных произведений (опер, симфоний, концертов), не уступающим по уровню художественного мастерства многим произведениям маститых композиторов того времени.
Весьма благоприятной для творческого развития Моцарта была среда, в которой он рос и развивался. Его отец, Леопольд Моцарт, был крупным музыкантом – выдающимся скрипачом и педагогом, старшая сестра – Наннерль – талантливой клавесинисткой. Моцарт уже в детские годы совершал большие концертные поездки. В 6-тилетнем возрасте он посетил Мюнхен, Вену, Париж, Лондон, Голландию (Амстердам, Гаагу). Под влиянием симфоний И. К. Баха – младшего сына И.С. Баха – Моцарт пишет свои первые симфонии, с успехом исполненные публично.
Детские годы Моцарта ознаменованы и созданием нескольких опер. Опера «Аполлон и Гиацинт» на латинский текст была написана в 1767 г. по случаю окончания учебного года в Зальцбургском университете и исполнена силами студентов. В 1768 г. 12-летний композитор написал по заказу венского театра оперу-buffa «Мнимая простушка», а также зингшпиль «Бастьен и Бастьенна».
В 1769 г. Моцарт едет в Италию с концертами, получает заказ от миланского оперного театра на оперу-seria «Митридат, царь Понтийский», имевшей большой успех. 14-летний Моцарт был удостоен чести почётного звания члена Болонской академии.
II этап I периода:
В 70-е годы в Зальцбурге на место умершего архиепископа вступил новый – граф Колоредо, отличавшийся грубым и жестоким обращением с зависимыми от него людьми. Это делало службу у него для Моцарта невыносимой. В эти годы Моцарт пишет, в основном, инструментальную музыку: концерты, серенады, дивертисменты, концерты.
В 1775 г. Моцарт по заказу мюнхенского театра пишет оперу-buffa «Мнимая садовница». В 1777 г. – едет в Мангейм, пребывание в котором оказало важное значение на формирование моцартовского стиля. В 1778 г – посещает Париж, где появляются его клавирные и скрипичные сонаты, симфония № 31 («Парижская»). В 1781 г. в Мюнхене с успехом проходит премьера оперы Моцарта «Идоменей, царь Критский», на сюжет из греческой мифологии.
Венский период:
В 1781 г. Моцарт порывает с ненавистной придворной службой и переезжает в Вену в роли «свободного художника». В последующие годы Моцарт зарабатывал преподаванием, публикацией своих произведений, выступлениями в аристократических салонах или в открытых концертах («академиях»), сочинением музыки по заказам. В 1787 Моцарт получил незначительную должность «камерного музыканта»; за сравнительно хорошее жалованье он был обязан писать танцевальную музыку для придворных балов. По обычным для музыкантов меркам доходы Моцарта были велики, он имел слуг и собственный выезд. Тем не менее, из-за расточительного образа жизни и неумения вести финансовые дела Моцарт часто испытывал материальные трудности. В 1782 он женился на певице Констанце Вебер.
В 1782 в Вене было поставлено зингшпиль «Похищение из сераля», ставшее ответом Моцарта на намерение императора Иосифа II развивать в Вене немецкую национальную оперу. Выйдя далеко за рамки условностей традиционно незамысловатого жанра зингшпиля, Моцарт создал произведение с большими и сложными ариями и яркой оркестровкой (отсюда знаменитое замечание императора: «Слишком много нот, мой дорогой Моцарт»). После этого Моцарт вновь обращается к жанрам итальянской оперы seria и buffa (оперы «Свадьба Фигаро» 1786, «Дон-Жуан» 1787, «Так поступают все женщины» 1790).
В венский период написаны 3 самые знаменитые симфонии Моцарта - № 39-41, последняя опера Моцарта – «Волшебная флейта» (1791). Ещё до окончания оперы Моцарт получил заказ на Реквием, который не успел завершить. Закончил Реквием его ученик Зюсмайер, используя эскизы и черновики композитора. Причина смерти Моцарта до сих пор является предметом споров.
3. Оперная эстетика Моцарта.
Моцарт писал оперы на протяжении всей жизни, начиная с 11-летнего возраста. Но его высшие достижения в этой области относятся к венскому периоду («Свадьба Фигаро», «Дон-Жуан», «Волшебная флейта»). Моцарт писал оперы разных типов и жанров:
зингшпили («Похищение из сераля», «Волшебная флейта»)
оперы-buffa («Свадьба Фигаро», «Так поступают все женщины»)
опреы-seria («Идоменей, царь Критский», «Милосердие Тита»).
Опера «Дон-Жуан», сочетающий особенности музыкальной трагедии и комедии, не сводится ни к одному из этих типов. Моцарт назвал её «весёлой драмой». Эта опера создавалась по заказу пражского оперного театра. Высоким достижением оперы является тенденция к сквозному развитию при традиционном делении на законченные номера.
Опера «Свадьба Фигаро» написана по II части трилогии Бомарше «Безумный день, или Женитьба Фигаро», несмотря на то, что она была запрещена цензурой (комедия обличает феодально-аристократические порядки Франции накануне буржуазной революции 1789 г.).
В опере «Волшебная флейта» нашли отражение некоторые стороны масонства – религиозно-этического учения, к которому принадлежал Моцарт и в последние годы написавший несколько масонских кантат. Опера представляет собой философскую сказку, смысл которой заключается в победе света над тьмой, разума и добра над злом. В сказочной форме прославляется здесь идеальное царство справедливости, братства и дружбы. В «Волшебной флейте» Моцарт обращается к жанру зингшпиля с разговорными диалогами и к немецкому тексту. Бетховен считал эту оперу едва ли не лучшей оперой Моцарта. Гёте так был увлечён «Волшебной флейтой», что задумал её продолжение и даже приступил к написанию либретто.
Наряду с Глюком, Моцарт был величайшим реформатором оперного театра XVIII века. Но, в отличие от него, свою реформу не декларировал теоретически. Если Глюк стремился подчинить музыку драматическому действию, то для Моцарта, наоборот, музыка являлась основой оперы. Моцарт писал: «В опере поэзия должна быть послушной дочерью музыке». Моцарт считал, что текст либретто должен быть лаконичным, не затягивающим действие.
Одним из высоких новаторских достижений оперной драматургии Моцарта является мастерство музыкальных характеристик действующих лиц. До Моцарта музыкальные характеристики героев почти совершенно игнорировались. Это были своего рода музыкальные «маски» с выработанными приёмами выразительности. Не прибегая к лейтмотивам, Моцарт наделял героев своих опер мелодическими оборотами, складывающимися в цельный образ. Так, в образе Дон-Жуана подчёркивается его любовь к жизненным наслаждениям, смелость, отвага; в образе Сюзанны – женская привлекательность, лукавство. Музыкальные характеристики персонажей сосредоточены в ариях. Важную роль Моцарт отводит и ансамблям, насыщенным обычно напряжённым драматическим развитием.
4. Симфоническое творчество Моцарта. Симфонии. Концерты.
К жанрам симфонической музыки, созданной Моцартом, принадлежат симфонии, серенады, дивертисменты, кассации (жанр, близкий серенаде), концерты для различных инструментов с оркестром.
На протяжении всей жизни Моцарт работал одновременно над операми и инструментальными сочинениями, что обусловило их взаимовлияние: оперная музыка обогащается приёмами симфонического развития, инструментальная – проникается певучестью. Многие музыкальные образы симфонических и камерных произведений Моцарта близки ариям и ансамблям из его опер (Г. П. I части симфонии № 40 и ария Керубино «Рассказать, объяснить не могу я»; «ария с портретом» Тамино из «Волшебной флейты» и тема II части симфонии № 40).
Образы моцартовских симфоний:
лирические
танцевальные
драматические
философские.
Драматизм нередко достигался наличием контрастных элементов внутри одной темы – характерная черта моцартовского стиля, получившая развитие в творчестве Бетховена (Г. П. I части симфонии № 41 «Юпитер», состоящая из 2-х контрастных элементов: мужественно-героического и лирического). Наличие в одной теме двух контрастных элементов является стимулом последующего развёртывания, сопоставления и столкновения различных музыкальных образов.
Первые симфонии Моцарт написал в 8-летнем возрасте под впечатлением от симфоний И.К. Баха. Ранние симфонии Моцарта близки к сюите, серенаде, дивертисменту и не обладают органическим единством цикла.
Три самые знаменитые симфонии Моцарта созданы в 1788 г.:
№ 39 Es-dur – героико-драматическая, светлая, на основе танцевальных тем;
№ 40 g-moll – лирически-экспрессивная, трепетно-взволнованная. Её иногда называют «вертеровской», т.к. она, как и «Страдания молодого Вертера» Гёте, рождена в атмосфере периода «Бури и натиска» с его повышенной эмоциональностью, разливом чувств, предвосхищая, тем самым, романтический симфонизм.
№ 41 C-dur («Юпитер») – величественная, монументальная (название дано не Моцартом). Её особенностью является, что всё развитие ведёт к монументальному финалу, венчающему симфонию, как величественный купол венчает грандиозный собор (финал представляет собой сочетание сонатного allegro и тройной фуги).
Одно из значительных мест в творчестве Моцарта занимают концерты для различных инструментов в сопровождении оркестра. Концерт классического типа содержит две экспозиции:
I - экспозиция оркестра, где излагается основной тематический материал
II – экспозиция солирующего инструмента.
Сольная партия отличалась виртуозностью. Свободная виртуозная каденция (после К64 перед кодой I части) была рассчитана на импровизацию солиста. Лишь в XIX веке каденции стали сочиняться самим композитором. II часть концерта – медленная, III часть – жанровый финал.
Среди многочисленных концертов Моцарта выделяются фортепианные – d-moll, c-moll, C-dur, Es-dur; скрипичные - D-dur, A-dur. Это шедевры концертно-симфонической музыки. Концерты Моцарта не менее симфоничны, чем его симфонии.
Оркестр Моцарта того же состава, что и оркестр Гайдна (парный). Однако Моцарт больше использовал экспрессивные свойства инструментов, их певучесть (особенно струнных).
5. Фортепианное творчество Моцарта.
Фортепианные произведения Моцарта тесно связаны с его исполнительской деятельностью. Одной из характерных черт является певучесть (кантабильность) как один из творческих и исполнительских принципов Моцарта, связанный с претворением итальянского бельканто как в вокальной, так и инструментальной музыке.
Для фактуры фортепианных произведений Моцарта характерна дифференциация мелодии в верхнем голосе (правая рука) и сопровождения в левой руке.
Характерные типы сопровождения:
Аккорды или аккордовые репетиции;
Тремоло в пределах октавы, септимы или сексты;
«Альбертиевы басы» - фигурации на звуках разложенного аккорда.
К лучшим произведениям Моцарта для фортепиано относятся: соната a-moll (1778), A-dur (1778), фантазия и соната c-moll (1785), фантазия d-moll. Своеобразно строение сонаты A-dur: I часть – тема с вариациями, II часть – менуэт, III часть – рондо «Alla turca».
Кантатно-ораториальные жанры. Реквием.
В кантатно-ораториальном жанре Моцартом написаны мотеты, 5 масонских кантат, 15 месс, Реквием.
Несмотря на духовные тексты, эти произведения далеки от ортодоксальной церковной музыки и по своим образам мало отличаются от светских произведений Моцарта. Моцарт был религиозным человеком, но его религиозность имела не церковно-догматический, а нравственно-философский характер (он был масоном).
Одним из значительных памятников мировой культуры является Реквием – потрясающая музыкальная трагедия. Реквием – траурная заупокойная месса, исполняемая на традиционный культовый латинский текст, принятый в католической службе, и состоящий из несколько традиционных частей, среди которых, помимо обычных частей обычной мессы, обязательны части, принадлежащие только траурной мессе. Моцарт воплощает в Реквиеме глубочайший мир человеческих переживаний: душевное смятение, умиротворённый покой, горе и страдание.
Из двенадцати номеров Реквиема девять написаны для хора и три (Tuba mirum, Recordare, Benedictus) – для квартета солистов.
№ 1 I раздел: Requiem aeternam («Даруй нам вечный покой»); II раздел: Kyrie eleison («Господи, помилуй»). № 1 – это интроитус (вступительный раздел).
№ 2 Dies irae – рисует картины конца света, Страшного суда
№ 3 Tuba mirum («Труба предвечного») – о грозном сигнале трубы, призывающем живых и мёртвых на Страшный суд;
№ 4 Rex tremendae («Царь грозный») – рисует образ сурового и неумолимого Бога, карающего трешноков;
№ 5 Recordare («Помяни») – содержит обращённую к Христу мольбу о пощаде;
№ 6 Confutatis («Отвергнув») – это рассказ о мучениях, ожидающих грешников в аду;
№ 7 Lacrymosa («Слёзная») – мольба и милосердии в скорбный день слёз;
№ 8 Domine Jesu («Господи, Иисусе») – проникновенная молитва, обращённая к Богу;
№ 9 Hostias («Жертва»);
№ 10 Sanctus;
№ 11 Benedictus;
№ 12 Agnus Dei
Моцарт успел написать только первые шесть частей Реквиема, оставив недописанной седьмую часть (Lacrymosa). Он умер, вероятно, от почечной недостаточности. Реквием был завершён его учеником Зюсмайером, согласно указаниям умирающего композитора.
§ 5. Музыка Французской революции
Французская буржуазная революция 1789 года оказала огромное влияние на все сферы духовной жизни, в т.ч. на эстетику, литературу и музыку. Музыка нового времени приобрела гражданственно-демократический характер, сложились массовые жанры революционного искусства. Её идейное содержание посвящалось одной теме – революции, родине. Из залов и театров музыка вышла на открытые площади, исполнителями стал народ. В начале революции народ сам создавал песни и гимны, используя для этого популярную музыку, в т.ч. и оперные арии. Народной стала и «Марсельеза», автор которой - Руже де Лиль – не был музыкантом-профессионалом (он был инженером-капитаном страсбургского гарнизона). В Париж «Марсельезу» принесли марсельские добровольцы, поэтому она так и называется. Другие популярные песни французской революции - «Карманьола», «Са ира» - (в переводе «Дело пойдёт на лад»).
Музыка революции поражает монументальностью, простотой, мощью. Мелодика основывается на аккордово-трезвучных и фанфарных оборотах. Ритмы массовых жанров энергичны, просты и часто связаны с маршевой поступью. К колоссальным хоровым массам присоединялся огромный оркестр духовых инструментов и ударная группа.
Наиболее видные французские композиторы, возглавившие новое музыкальное направление – Ф. Госсек, А. Гретри, Л. Керубини. Создателем музыкального стиля революции по праву считается Франсуа Госсек (1734 – 1829) – родоначальник монументального вокально-оркестрового стиля и новых музыкальных жанров: революционной массовой песни, героических и траурных шествий («Скорбный марш»), крупных кантатно-хоровых произведений, рассчитанных на исполнение под открытым небом («Гимн Свободе»).
Идеи и образы Французской революции проникли и в музыкальный театр, получив воплощение в новом жанре – «опере спасения». Это героическая драма, основная тема которой – борьба против насилия. Создателем героической оперы является Андре Гретри (1741 - 1813) (опера «Ричард Львиное Сердце», «Вильгельм Телль»). Представителем французской революционной оперы является также и Луиджи Керубини (1760 - 1842) – итальянец по национальности, много лет возглавлявший Парижскую консерваторию (оперы «Лодоиска» - 1791, «Элиза» - 1794, «Водовоз» - 1800).
|