Дипломная работа: Готика. Застывшая эпоха ушедших времен

Готика

Содержание

Введение

1. Готический стиль

1.1 Архитектура

1.2 Живопись

1.3 Скульптура

2. Архитектурный рисунок. Мои цели и задачи

3. Средства и техника исполнения

3.1 Масляная живопись

3.2 Акварель

3.3 Графика

4. О своих итоговых работах

Заключение

Список используемой литературы

...Готическая архитектура, которая образовалась в конце средних веков, есть явление такое, какого еще никогда не изводил вкус и воображение человека….

Эта архитектура необыкновенная…..

М.В.Гоголь

Я хочу представить вашему вниманию свою дипломную работу, которая включает в себя практическую часть – композицию и теоретическую часть – пояснительную записку. Тема моей итоговой работы «Застывшая музыка ушедших эпох….».

Меня всегда увлекала архитектура. Каждая эпоха – своя ценность. За всю историю человечества у всех народов архитектура имела свой уникальный стиль. Вот как характеризует средние века русский классик - М.В.Гоголь: «...величественные, как колоссальный готический храм, темные, как его пересекаемые один за другим своды, пестрые, как разноцветные его окна возвышенные, исполненные порывов, как его летящие к небу столпы и стены, оканчивающиеся мелькающим в облаках шпицем». «Застывшая музыка», как говорил Гете о готическом соборе.

Трудно найти подходящие слова, чтобы описать впечатления от готического собора. Благодаря своей архитектуре с каждой точки собор смотрится по-новому.

В отличие от романской церкви с ее четкими, легко обозримыми формами, готический собор необозрим, часто асимметричен и даже неоднороден в своих частях: каждый из его фасадов со своим порталом индивидуален. Стены не ощущаются, их как бы и нет. Арки, галереи, башни, громадные окна, все дальше и дальше - бесконечно сложная, ажурная игра ажурных форм. И все это пространство обитаемо - собор и внутри и снаружи населен массой скульптур. Они занимают не только порталы и галереи, но их можно найти также и на кровле, карнизах, под сводами капелл, на винтовых лестницах, возникают на водосточных трубах, на консолях.

Словом, готический собор - это целый мир.

Вообще, если говорить о символах прошлого в истории, то готика является некой визитной карточкой могучей средневековой Европы, воплотившей в себе всю мощь веры и безграничную силу зараждающегося самобытного искусства Западной Европы. Готика повергает сегодняшних людей своими задумками, масштабностью и долговечием.

Впервые понятие в современном смысле применил Джорджио Вазари для того, чтобы отделить эпоху Ренессанса от Средневековья.

Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике.

Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

1.1 Архитектура

Готический стиль в основном проявился в архитектуре храмов, соборов, церквей, монастырей. Для готики характерны арки с заострённым верхом, узкие и высокие башни и колонны, богато украшенный фасад с резными деталями (вымперги, тимпаны, архивольты) и многоцветные витражные стрельчатые окна.

Первый готический собор монастырь Сен-Дени, созданный по проекту Аббата Сугерия во Франции. Из Франции готический архитектурный стиль распространился в Западную, Среднюю и Южную Европу — в Германию, Англию и т. д.

Наиболее известные готические соборы Франции – Сен-Дени, Шартрский, Амьенский, Руанский, Реймсский и, конечно, Нотр-Дам-де-Пари.

Собор Парижской Богоматери – настоящая визитная карточка готической архитектуры. Это невероятное по своей красоте сооружение, возвышающееся над берегом сены, окруженное благоухающими розовыми садами, покорило сердце не одного гения.

В XIIIв. Готический стиль позаимствовали у французов архитекторы других стран, в том числе и Германии. Любопытно, что, копируя французские соборы, немецкие архитекторы так хорошо усвоили стиль, что долгое время искусствоведы считали именно Германию родиной готики.

Наиболее яркий, живописный пример немецкой готики – Кельнский собор.

Готический стиль был крайне популярен в Англии, лучшим доказательством тому служит тот факт, что позднее, в XVIII-XIXвв. многие архитекторы стали копировать его, называя этот новый стиль неоготическими.

В Италию готика пришла намного позже, только к XV в. и не получила такого же сильного развития как во Франции и Германии.

Миланский собор, 1386-1418гг. Изначально был задуман такого огромного размера (в нем помещается 40 тысяч человек), что с большими трудностями смог быть частично завершен только к концу XVI в. Более пяти веков строился этот собор и, в результате, соединил многие черты архитектурных стилей, от барокко до неоготики.

1.2 Живопись

Готическое направление в живописи развилось спустя несколько десятилетий после появления элементов стиля в архитектуре и скульптуре. Одним из основных направлений готической живописи стал витраж, который постепенно вытеснил фресковую живопись.

Техника витража осталась такой же, как и в предыдущую эпоху, но цветовая палитра стала гораздо богаче и красочней, а сюжеты сложнее — наряду с изображениями религиозных сюжетов появились витражи на бытовые темы. Кроме того, в витражах стали использовать не только цветное, но и бесцветное стекло.

1.3 Скульптура

Скульптура играла огромную роль в создании образа готического собора. Во Франции она оформляла в основном его наружные стены. Десятки тысяч скульптур, от цоколя до пинаклей, населяют собор зрелой готики.

Взаимоотношение скульптуры и архитектуры в готике иное, чем в романском искусстве - готическая скульптура гораздо более самостоятельная. Она не подчинена в такой степени плоскости стены и тем более обрамлению, как это было в романский период. В готику активно развивается круглая монументальная пластика. Но при этом готическая скульптура — неотъемлемая часть ансамбля собора, она — часть архитектурной формы, поскольку вместе с архитектурными элементами выражает движение здания ввысь, его тектонический смысл.

Пространство собора — с многочисленными архитектурными и скульптурными украшениями, светом, льющимся сквозь стекла витражей, — создавало образ небесного мира, воплощало мечту о чуде.

Арка, как и купол средокрестия символизирует небесный свод. Дверной проём символизирует землю. В соединении арки с дверным проёмом заложена идея земли и неба.

Сумрак собора – символ пещеры, где родился Бог.

Свет от свечей и из узких окон – божественный свет. Контраст тьмы нефов и света перед алтарём победа божественного света над мраком греховной жизни.

Лиризм образов и жизненная правдоподобность в скульптуре. В то же время сохранялась вера в чудеса, фантастических животных, сказочных чудовищ. Их изображения встречаются в готическом искусстве также часто, как и в романском: например, в виде скульптур — химер или скульптур-водостоков — горгулей.

2. Архитектурный рисунок. Мои цели и задачи

При взгляде на здания у меня возникает непонятный трепет и волнение, дома "оживают" и в воображении представляется, как он возникал в фантазии архитектора, потом создавался сначала на бумаге, а потом рос от основания до верхушки.

Мне очень нравится придумать эскизы необычных домов, но в тоже время, я хотела бы воплотить их в реальность. У будущего архитектора всегда существует стимул самосовершенствоваться, познавать новое, и участвовать во всех этапах, от создания проекта до реализации. Ведь всегда интересно увидеть окончательный результат кропотливой работы, и сравнить его с изначальной задумкой.

Нельзя стать мастером, не почувствовав и не познав по-настоящему творческую лабораторию художника, архитектора. Замечательны во всех отношениях рисунки Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэля, Тициана, Веронезе, Рубенса, Дюрера, Рембрандта, Пуссена, Иванова, Брюлова, Сурикова и многих других выдающихся художников. Исключительный интерес вызывают и рисунки таких мастеров архитектуры, как Баженов, Казаков, Кваренги, Камерон, Тома де Томон, Воронихин, Захаров, Фомин, Щусев, Щуко, Жолтовский и др. Нельзя пройти мимо художников, выбравших целью изображения архитектурный пейзаж, интерьер и экстерьер. Велико в этом жанре мастерство Гонзаго, Пиранези, Тьеполо, Гварди, Каналетто, С. Щедрина, Воробьева и др.

Изучая и рисуя архитектуру, мы познаём композиционно художественные закономерности, ее стилевые особенности, конструктивно художественную логику построения частей, деталей и целого архитектурного организма. В процессе рисования архитектуры происходит накопление художественных и технических способов и приемов изображения.

Рисование архитектурных сооружений как моделей, являющихся особенно интересным, всесторонне развивает объемно-пространственное мышление.

Архитектурный рисунок имеет свою специфику, вытекающую из его назначения и рода деятельности, он индивидуален и место его в творческом процессе каждого мастера свое. Он — продукт творческой, мыслительной работы архитектора, наглядное выражение его идей. По своему характеру это наброски, эскизы, выполненные на бумаге или кальке, т. е. предварительный, поисковый материал.

Главной и конечной целью является не только умение изображать архитектуру с натуры, но и умение рисовать ее по памяти и, главное, по воображению, т. е. сочинять и уметь изобразить свое сочинение.

Рисуя архитектурные детали, мы осваиваем перспективное построение формы, в основе которой лежат геометрические фигуры и тела, осваиваем и совершенствуем технику рисунка, изучаем и познаем художественную и конструктивную сущность детали, расширяем свой диапазон изобразительных средств.

Весь процесс рисования можно разделить на два этапа: первый — определение композиции рисунка и знакомство с архитектурным сооружением; второй — непосредственное исполнение рисунка.

При изучении и рисовании архитектуры мы должны выяснить для себя множество вопросов: что это за сооружение, его функциональное назначение, место в окружающей среде, разрезы, фасады этого сооружения, каковы стилевые особенности его, из какого материала оно построено, его конструкции, пропорции и т. д.

Чем больше будет поставлено и выяснено вопросов, тем глубже будет понимание сути данного сооружения.

Я пришла в художественную школу, чтобы научиться рисовать.

К настоящему времени это почти осуществилось благодаря большому опыту преподавательского состава и личному старанию.

Мое обучение подходит к концу, и я должна показать чему научилась.

Задачи, которые стояли передо мной были следующие:

1. Показать знание законов композиции.

2. Совершенствовать навыки работы в выбранных техниках.

3. Попытаться передать психологическое состояние сюжета.

Работая над композицией, я решила для себя привычные задачи: выбор формата, размещение цвета и цветовых пятен, заполнение оставшегося пространства, введение подробностей.

В своих композициях я старалась работать на контрастах, что повышает выразительность и гармоничность, а также целостное изображение.

Работала я поэтапно:

1. Изучила материал по данной теме. Нашла необходимую информацию в различных источниках.

2. Проработала в эскизах и набросках архитектурные сооружения в разных техниках: карандаш, гелиевая ручка, акварель, гуашь, масло.

3. Поиск и композиционное решение итоговой работы. В разных тональностях.

4. Проработка фор-эскиза данной композиции.

5. Построение карандашом на холсте.

6. Прорисовка собора, деревьев, неба.

7. Цветосмешение, выбор тональности, проработка всех деталей.

8. Эстетическое оформление картины.

3. Средства и техника исполнения

3.1 Масляная живопись

Живопись - это такой вид изобразительного искусства, в котором цвет играет главную роль. К живописи относятся произведения искусства, выполненные красками, нанесенными на какую-нибудь твердую поверхность. Живопись означает писать жизнь, писать живо, то есть полно и убедительно передавать действительность.

Для написания маслом необходимы масляные краски, кисти, место для смешивания красок, палитра для смешивания красок, и, собственно, холст.

Вот список предметов, которые я использовала в своей работе.

Грунтованный холст.

Щетинные плоские кисти

Палитра

Мастихин

Краски

Разбавитель

Фольга для хранения небольших объемов краски.

Краски, применяемые в живописи, по цвету разделяют на спектральные, которые составляют солнечный цвет, и простые.

В живописи существует три вида смешения красок, что дает возможность получать необходимый цветовой тон или оттенок. Получение нужных цветов и оттенков может достигаться механически. Механическое смешение масляных красок производят на обычной палитре либо на самой картине.

Беря краски для смешения, следует иметь в виду не только их цвет и насыщенность, но и фактуру мазка. Не нужно смешивать более трех красок во избежание загрязнения красочной смеси. При смешении красок следует учитывать процессы, приводящие к изменению цвета, связанные с химическим взаимодействием пигментов при смешивании некоторых красок: потемнение, выцветание, растрескивание красочного слоя

В процессе живописи следует учитывать отношения цветов" так как расположенные рядом цвета влияют друг на друга. Поэтому, начиная работать над живописью, следует обязательно наносить все основные тона сразу, чтобы видеть отношения между ними.

Основа для живописи - это любой физически существующий материал или поверхность, на которую наносятся краски: металл, дерево, ткань, бумага, кирпич, камень, пластик, веленевая бумага (тонкий пергамент, восковка, калька), пергамент, штукатурка, стекло. Однако лишь немногие из них представляют собой традиционные основы для масляной живописи; делятся они на две группы: эластичные (гибкие) основы, к которым относятся холст и бумага, и жесткие, объединяющие дерево, листовой фиброкартон, древесноволокнистую плиту, холст на картоне (доске) и металл. Наиболее популярной и широко используемой основой является холст.

Кисть предоставляет рисовальщику большие возможности работать по-разному и почти на всех сортах бумаги. Длительные рисунки и большого размера целесообразнее вести на более прочной бумаге, кратковременные наброски с натуры и эскизы малого размера к композициям живее и свободнее получаются на более дешевых, тонких и менее прочных сортах бумаги. Чаще всего в рисунке применяются круглые кисти с мягким волосом. Они дают тонкую линию и широкий мазок. Это позволяет совмещать тональную широту с тонкой прорисовкой. Для фактурных мазков иногда применяют плоские кисти с щетинистым волосом. Кистью можно также работать штрихами и линиями.

Экспромт и импровизация исполнения, умение сохранить творческий запал на протяжении всей работы требуют досконального знания возможностей каждой техники и в то же время уверенного владения всеми разновидностями рисунка, особенно наброском. Научиться быстро рисовать и срисовывать здесь необходимо. Но не следует тупо копировать все, надо научиться выделять самое главное саму суть.

Выбор изобразительных средств находится в прямой зависимости от замысла и художественной задачи. Уместно сказать о том, что сам материал, в свою очередь, активно влияет на замысел. Следует научиться вырабатывать в себе интуитивное представление о том, как будет выглядеть изображение на листе, научиться видеть свое произведение заранее во всей его полноте — ценнейшее свойство художника.

Не давать угаснуть воображению, не усыпить любовь к наблюдению — вот в чем главные предпосылки и стимулы, побуждающие к созиданию, к творческому восприятию мира и способности научится импровизации в рисунке.

Палитры бывают для работы масляными красками, для акварели в темперы.

Изготовляют палитры из дерева, металла, фаянса, эмалированной жести и пластмассы. Для масляных красок палитры делают деревянные и пластмассовые.

По форме палитры бывают овальные, квадратные, прямоугольные и фигурные.

При работе краски кладутся на верхний край палитры, чтобы вся остальная ее поверхность оставалась свободной для смешивания красок.
На палитре краски надо размещать в строгом порядке: определенное место должно быть для зелено-синих, оранжево-красных, коричневых и сине-фиолетовых красок. Всегда придерживайтесь излюбленного порядка размещения красок, чтобы брать их автоматически, не отвлекаясь специально каждый раз на разыскивание нужной краски.

Лак сохраняет блеск и защищает Ваше полотно. Существует дамарский лак и его более тонкая версия – лак для ретуши.

Живопись, покрытая лаком, увеличивает яркость и светлоту цвета, а матовая в результате многократного преломления и отражения света от живописной поверхности, наоборот, уменьшает светлоту цвета и увеличивает его насыщенность

3.2 Акварель

Акварель - один из самых поэтичных видов живописи. Акварели доступны и произведения капитальные, графические и животные, камерные и монументальные, пейзажи и натюрморты, портреты и сложные композиции.

С ней сравнивают и музыкальное сочинение, чарующее нежными, прозрачными мелодиями. Акварелью можно передать безмятежную синеву небес, кружева облаков, пелену тумана. Она позволяет запечатлеть кратковременные явления природы.

Можно писать по сухой или сырой бумаге сразу, в полную силу цвета. Можно работать в многослойной технике, постепенно уточняя цветовое состояние, каждую частность. Можно избрать смешанную технику: идти от общего к детали или, напротив, от детали к общему, целому. Но в любом случае нельзя или почти нельзя исправить испорченное место: акварель не выносит малейшей затертости, замученности, неясности. Прозрачность и блеск придает ей бумага белой и чистой. Белила акварелиста, как правило, не нужны.

Одними из первых ее оценили английские живописцы в 19 веке. Особенно прославился своими акварелями У. Тернер, певец лондонских туманов и пенистых волн, сумрачных скал и солнечного света.

В России прошлого века было немало выдающихся акварелистов К. П. Брюллов доводил листы с жанровыми сценами, портретами и пейзажами до филигранной завершенности. А.А.Иванов писал просто и легко, соединяя живой безупречный рисунок с чистыми сочными красками.

П.А. Федотов, И.Н. Крамской, Н.А. Ярошенко, В.А. Серов, М.А. Врубель, В.И. Суриков...Каждый из них внес богатейший вклад в русскую акварельную школу. Советские живописцы, продолжая традиции этой школы, дали акварели новое название. Это А.П. Остроумова - Лебедева, П.П. Кончаловский, СВ. Герасимова, А.А. Дейнека, Н.А. Тыреа, А.В. Фонвизин и многие другие.

Нередко художники используют акварель в сочетании с другими материалами: гуашью, темперой, углем. Но в этом случае теряются главные ее качества - насыщенность, прозрачность, то есть то, что отличает акварель от любой другой техники.

Наиболее распространенные для акварели кисти - беличьи. Их ворс мягок, хорошо вбирает воду, позволяет наносить сочные мазки и, если нужно, прорабатывать мельчайшие детали. Используя также колоновые и собольи кисти, эластичные и прочные, щетинные кисти, как правило, не применяются.

Более мелкие кисти удобны для акварельных миниатюр, а также для проработки деталей. Однако некоторые акварелисты годами пишут всего одной кистью большого размера.

Не желательно писать на только что купленной бумаге. Она должна несколько недель «отстояться».

Для живописи акварелью наиболее удобна металлическая коробка - палитра, покрытая внутри белой эмалью, на которой удобно пробирать нужные цвета. Если краски в чашечках - закрепите их на определенных местах, чтобы они не выпадали из коробки. Лучше всего это сделать с помощью резинового клея. При отсутствии специальной палитры ее можно изготовить самому из метала или пластмассы, а то и просто использовать «этюдник -мольберт», предназначенный для живописи маслом. Можно приспособить и обычный этюдник, прикрепив к его нижней стороне три складные ножки из металла или дерева.

Для палитры достаточно отобрать восемь-десять проверенных красок. Это кадмий красный, охра красная, краплак фиолетовый, кобальт синий, ультрамарин, изумрудно - зеленая, кадмий желтый, охра желтая, сиена, черная нейтральная. Не следует смешивать более двух - трех красок: далеко не всегда пигменты уживаются друг с другом, что приводит к скорому изменению цвета.

3.3 Графика

Рисунки и гравюры, представляющие самостоятельные, законченные по мысли произведения искусства. Шрифт в книге и на плакате, книжные иллюстрации, плакат, почтовые марки, журнальные иллюстрации и газетные карикатуры, упаковки для разнообразных товаров, различные этикетки, театральные и киноафиши, дорожные и товарные знаки и даже деловые бланки учреждений - это все произведения станковой и прикладной графики.

Что же такое графика? Само слово «графика» происходит от греческого слова «графо» - «пишу», «черчу», «рисую».

Итак, графика - это, прежде всего рисунок, искусство линейное, острое, основное на сочетании черного и белого, причем белым является сама бумага, а черным - карандаш, и уголь или другой «сухой» красящий материал.

Графику можно разделить на два вида: непосредственный рисунок на бумаге и печатная графика.

Как самостоятельный вид искусства рисунок существует с конца 15 - начала 16 веков. Ранее к нему относились как к подсобному, подготовительному материалу при работе над картинкой, скульптурой, фреской, гобеленом. Затем он приобрел самостоятельное художественное значение, как и другие станковые виды искусства.

В процессе исторического развития в рисунок (так же как и печатную графику) активно стал проникать цвет, и теперь уже к графике относят и рисунок цветными мелками - пастель, и цветную гравюру, и живопись водяными красками - акварель и гуашь.

4. О своих итоговых работах

Процесс Творческого Созидания - это непостижимый до конца процесс.

Бывает он протекает вдохновенно, быстро, с полным ощущением «полета души», а бывает, застывает, замирает.

Виктор Гюго о готическом соборе писал «. чудесный результат соединения всех сил целой эпохи... это творение рук человеческих могуче и изобильно, подобно творению Бога, у которого оно как будто заимствовало двойственный его характер: разнообразие и вечность».

Готический собор — главное в моей композиции, а совокупность других деталей как бы подчинена этому главному.

Этот высоко возносящийся над головою лес сводов, огромные окна, узкие, с бесчисленными изменениями и переплетами, эта легкая паутина резьбы, опутывающая его своею сетью, обвивающая его до конца шпица и улетающая вместе с ним на небо; величие и вместе красота, роскошь и простота, тяжесть и легкость одновременно.

Во всех композиционных решениях я использовала готические элементы.

Цвет крыши и тени на соборе увязываются с тональным решением деревьев, неба. Поскольку деревья находятся на переднем плане, поэтому они имеют именно данное тональное решение. А в глубине пространства - собор. Это создаёт иллюзию глубины.

Виднеется башня со шпилем, а стены и окна собора декорированы деталями. Последовательность выполнения этой картины: эскиз, пометка крупных объемов первого плана, пометка фона, тональная проработка с выявлением глубины пространства.

Во время эскизирования прорабатывались отдельные элементы, включаемые в композицию рисунка в нашем случае – это деревья, небо, кустарники.

Собор как бы находится в тесной связи с окружающей средой растительным миром, воздухом. Введение в картину деревьев с голыми ветвями передаёт дух времени и, главное, выражает масштабную характеристику сооружения и пространства.

Как ветви тянутся вместе со стволом ввысь, к небу и солнцу, так и готический собор – к Богу.

Гёте сказал о готическом соборе «Застывшая музыка ушедших эпох». И действительно, всё замерло во времени, в том далёком ушедшем времени: кроны и ветви деревьев, неподвижное небо, собор…..

Я считаю, что работа получилась. Мне было интересно работать, самостоятельно искать композиционное решение, искать материал и фотографии. Эта итоговая работа дала интересные идеи, которые в следующих композициях обязательно осуществлю.

Заключение

Эта дипломная работа помогла мне научиться самостоятельности, подобный труд обогащает знания, позволяет сделать множество творческих открытий, что немаловажно и в будущем мне обязательно поможет.

В композиции мне удалось передать красоту и своеобразность готической архитектуры. Я более осознанно и целенаправленно стала использовать законы композиции и перспективы. А также научилась эффективнее анализировать свою работу, критически к ней подходить, а значит видеть и исправлять ошибки, подчинять второстепенное главному.

Я думаю, что мне не стоит останавливаться на этом этапе своего творческого пути, необходимо расти и совершенствоваться.

На всем своём творческом пути, с начала обучения ДХШ, и до завершения итоговой работы, меня сопровождали преподаватели, чей богатый профессиональный опыт мне дал очень многое: Лузина Валерия Михайловна, Ромахина Наталья Владимировна, Графеев Анатолий Григорьевич.

Также мне хочется выразить ОСОБУЮ БЛАГОДАРНОСТЬ за обучение, воспитание, внимание и оказанную поддержку в процессе выполнения своей работы Марине Владимировне Редозубовой.

Спасибо моей маме и одноклассникам за дружеские отношения, понимание и соучастие.

Без сомнения мне в жизни пригодятся знания, опыт, полученные в ДХШ.

В художественной школе мы познакомились с историей развития культур в разных странах, философией конструкции и приёмами в живописи, скульптуре и архитектуре. Нам привили художественный вкус, развили кругозор и эрудицию.

Я благодарна всем, кто меня поддержал в выбранной мною теме.

Список используемой литературы

1. Большая художественная энциклопедия.

2. Википедия (Готика).

3. Краткий словарь художественных терминов. Н.М. Сокольникова. Обнинск. Из-во «Титул». 2000г.

4. Афонькин С.Ю. История архитектурных стилей.-СПб.: «БКК», 2009г.

5. Бригитта Курманн-Шварц. Готические витражи.

6. Воронцов А.И. Экскурс мировых достопримечательностей. Москва, 1983г.

7. Джо Фрэнсис Дауден. Как создать красивую картину.- М., 2006г.

8. Дьяков Л.А. 20 век: страны, мастера. - М., 2003 г.

9. Мартиндейл Э. Готика – М., 2001.

10. Никодеми Г.Б.. Масляная живопись.-М., 2004г.

11. Ростовцев Н.Н.. Академический рисунок.-М., 1995г.

12. Сокольникова Н.М..Основы композиции. Обнинск. Из-во «Титул». 2000г.

13. Стен Смит. Рисунок.-М.,2001г.

14. Курс лекций по предмету «История искусств» ДХШ -г.Ишим. 2005 2010гг.