Кубизм

План.

1. Введение.

2. Зарождение кубизма.

3. Новаторство кубистов.

4. Творчество Жоржа Брака.

5. Пабло Руис Пикассо.

5.1. Образование. Барселона.

5.2. Первые поездки в Париж. "Голубой" и "розовый" периоды.

5.3. Накануне кубизма.

5.4. Кубизм.

5.5. Дальнейшая жизнь и творчество.

5.6. тАЬАвиньонские девицытАЭ.

6. Поэты кубизма.

7. Влияние кубизма на искусство.

8. Кубизм в России.

9. Художник Казимир Малевич.

10. Заключение.

11. Список использованной литературы.

ВлНадо уметь выбирать. Одна

и та же вещь не может быть

и правдивой, и правдоподобнойВ».

Жорж Брак

1. Введение.

Кyбизм - (фpaнц. cubisme, oт cube - кyб) направление в искусстве первой чeтвepти XX вeкa. Плacтичecкий язык кубизма основывался нa деформации и разложении предметов нa геометрические плоскости, пластическом сдвиге фopмы.

Кубизм отрицает изображение предметов в том виде, как мы их представляем. Он стремится найти способ выражения их сути. Кубизм низводит формы до основных геометрических схем, раскладывает предметы на составные части и объединяет их в абстрактное целое плоского декоративного изображения.

Пабло Пикассо, одному из первых художников-кубистов, принадлежат следующие слова: ВлЯ пишу объекты такими, как я их мыслю, а не такими, как я их вижуВ». Ведь в действительности, когда мы смотрим на человеческое лицо в профиль, мы видим лишь один глаз, одну бровь. И воспринимаем объект во всей целости, домысливая, что у него, конечно же, есть и второй глаз. На кубистическом же портрете, будь то фас или профиль, объект предстает перед нами увиденный автором сразу с нескольких точек. Автор совмещает их в одном образе. Свои первые шаги художники кубисты делали именно в жанрах портрета, натюрморта, пейзажа. Как правило, это были монохромные полотна.

Многие русские художники прошли через увлечение кубизмом, часто соединяя его принципы с приемами других современных художественных направлений - футуризма и примитивизма. специфическим вариантом интерпретации кубизма на русской почве стал кyбoфyтypизм.

Влияние кубизма в изобразительном искусстве продолжалось до 1960-х годов. К русским кубофутуристам можно отнести К. Малевича с его знаменитой картиной "Черный квадрат"

В своей работе я расскажу об истоках этого направления в искусстве, о выдающихся художниках кубизма, остановившись подробно на творчестве Жоржа Брака и Пабло Пикассо, а так же российского художника Казимира Малевича; уделю большое внимание картине Пикассо ВлАвиньонские девицыВ», а так же постараюсь увидеть мир глазами этих загадочных и притягательных мастеров своего загадочного и притягательного искусства.

2. Зарождение кубизма.

С середины XIX века отход от господствующей в это время в изобразительном искусстве натуралистической традиции резко ускоряется. Живопись, графика, скульптура обращаются к тому, что недоступно прямому (тАЬбуквальномутАЭ) воспроизведению. Отработка новых изобразительных средств, стремление к типизации, повышенной экспрессии, созданию универсальных символов, сжатых пластических формул направлены, с одной стороны, на отображение внутреннего мира человека, его состояния (психического, эмоционального), с другой тАУ на усиление выразительности, информативности тАЬтелеснойтАЭ структуры вещей, обновление видения предметного мира вплоть до задачи создания тАЬсамостоятельного живописного (изобразительного) фактатАЭ, конструирования тАЬновой реальноститАЭ.

Женская стоящая фигура. П.Пикассо. 1907 год

Последняя выставка импрессионистов в 1886 г. знаменует конец классического периода европейского искусства. Начиная с этого времени в европейской живописи одно за другим возникают многочисленные течения, существующие более или менее длительное время: югендстиль, экс-прессионизм, неоимпрессионизм, пуантилизм, символизм, кубизм, фовизм.
тАЬВ анархии эмоциональных ценностей в конце прошлого века, тАУ писал австрийский живописец Вольфганг Паален, тАУ люди, обратившиеся к искусству как к последнему прибежищу, начинают понимать, что внутренняя природа вещей так же значительна, как и внешняя. Вот почему Сёра, Сезанн, Ван Гог и Гоген открывают новую эру в живописи: Сёра тАУ своим стремлением к структурному единству, к объективному методу, Ван Гог тАУ своим цветом, который перестает играть описательную роль, Гоген тАУ смелым выходом за рамки западной эстетики и особенно Сезанн тАУ решением пространственных задачтАЭ. Паален сжато охарактеризовал важнейшие этапы художественного процесса, непосредственно предшествовавшие открытию примитивного искусства и тому перелому, который намечается в европейском искусстве около 1907 г.

1907 год считается поворотным в отношении к традиционному, в первую очередь африканскому искусству, вместе с тем это рубеж, от которого берут начало новейшие художественные направления. 1906 год тАУ год смерти Сезанна тАУ знаменует начало особенно глубокого его влияния на целое поколение художников. Позднее этот период был назван историками искусства тАЬсезанновскимтАЭ, или тАЬнегритянскимтАЭ.

Анализируя творчество Сезанна и в особенности его последние работы, в которых он ближе всего подходит к решению поставленных пространственных задач, сопоставляя их с наиболее характерными образцами африканской пластики, являющими подчас идеальные примеры воплощения этих пространственных решений, можно с уверенностью сказать, что именно творчество Сезанна стало последним и, возможно, решающим в ряду факторов, заставивших по-новому взглянуть на примитивное искусство.

Осязаемая весомость образов, которой стремился достичь Сезанн, пытаясь посредством выявления ритмических, геометрических структур проникнуть в сущность вещей и явлений и отобразить эту сущность, составляет, по общему признанию, основное качество африканской пластики. Таким образом, творчество Сезанна, бывшее логическим результатом всего предшествующего развития европейской живописи, в известном смысле близкое к творчеству Ван Гога, Гогена и Сёра, сыграло решающую роль в создании объективных условий, при которых африканское искусство было включено в мировой художественный процесс.

Наступает момент совместимости: чужеродная эстетическая система не только признана, но и тАЬвзята на вооружениетАЭ художественной практикой. Более того, примитивное искусство само стало инструментом открытия, и в этом глубинная суть рассматриваемого процесса. Оно открыло глаза художникам, обнаружившим там, где они меньше всего ожидали, новую систему художественных ценностей, принципиально отличную от той, которой тысячелетиями следовало европейское искусство.

Таким образом, в основу концепции кубизма легла тАЬязыческаятАЭ культура, которая в свое время вызвала к жизни искусство античности, а позднее дала новые ростки в эпоху Возрождения. Она освобождала художественное творчество от салонной легковесности, возвращала его к раскрытию сущности вещей и явлений, делая искусство в соответствии с тенденцией времени инструментом познания. В своих последовательных проявлениях новое течение, условно получившее название тАЬкубизмтАЭ, явило зрителям структуры, как бы обнажающие скелеты предметов.

Ощущения зрителя, оказавшегося на выставке перед полотнами кубистов, можно сравнить с ощущениями человека, собравшегося совершить приятное путешествие, а вместо этого получившего приглашение участвовать в прокладке новых путей.

Реакция публики доказывала, что переход к новому направлению произошел скачкообразно, несмотря на длительный подготовительный период, за время которого столичный европейский зритель должен был бы значительно расширить свой кругозор. После признания Ван Гога уже нельзя было считать гладкопись и натуралистичность цвета непременным условием тАЬхорошей живописитАЭ; жизнь и работы Гогена привлекли внимание к тАЬпримитивнымтАЭ культурам и научили видеть не столько их незрелость, сколько качественно иное их состояние, предполагавшее немало ценного и поучительного; творчество Сёра явило пример возможности использования научных методов для решения художественных проблем; наконец, творческий метод Сезанна, особенно техника его последних работ, столь близкая к технике ранних кубистских работ Брака, казалось, должна была способствовать если не пониманию, то хотя бы признанию права на существование этого эксперимента, который называют самым смелым в истории искусства. И все же работы Брака, как и последующие работы кубистов, были отвергнуты жюри и стали надолго мишенью критики и предметом скандала для широкой публики.

Новое направление в изобразительном искусстве и литературе, родившееся в эпоху открытия тАЬlтАЩart negreтАЭ (искусство негров) и тесно с ним связанное, безусловно, не было единственным горнилом, где создавался сплав новой художественной культуры.

Связь кубизма с открытием африканской скульптуры очевидна. Хотя вопрос, кто именно является первооткрывателем африканской скульптуры, остается спорным, ни у кого не вызывает сомнений, что ее урок впервые был основательно воспринят молодым, но уже достаточно известным в то время испанским живописцем Пабло Пикассо.

3. Новаторство кубистов.

Если живопись импрессионистов провозгласила условный характер цвета, то кубисты выразили новый подход к реальности через условный характер пространства. Ж. Брак писал: тАЬне нужно даже пытаться подражать вещам, которые преходящи и постоянно меняются, и которые мы ошибочно принимаем за нечто неизменноетАЭ. Американский искусствовед Дж.Голдинг писал, что кубизм тАУ тАЬсамая полная и радикальная художественная революция со времен РенессансатАЭ.

Хуан Грис. Ваза с фруктами и графин. 1914 год.

Это течение одним из первых воплотило ведущие тенденции дальнейшего развития искусства ХХ века. Одной из этих тенденций стало доминирование концепции над художественной самоценностью картины. Еще Гегелем (1770-1831гг.) было замечено, что искусство нового времени все более проникается рефлексией, образное мышление вытесняется абстрактным, так что грань между искусствоведением и практическим творчеством становится слишком тонкой. Если в кубизме эта тенденция присутствовала в зачаточном состоянии, то в искусстве постмодернизма она становится довлеющей.

Отцами кубизма считают Ж.Брака и П.Пикассо. К возникшему течению примкнули Фернана Леже, Робер Делоне, Хуан Грис и др. Слово тАЬкубизмтАЭ по-видимому возникло в 1908 году. Существует легенда о том, что Матис увидев картину Брака тАЬДома в ЭстакетАЭ, сказал, что она напоминает ему изображение кубиков. В том же году в журнале тАЬЖиль БлазатАЭ критик Луи Воксель пишет о живописи Брака, как о сводящейся к изображению кубов. Так насмешливая шутка Матиса переросла в название новой школы.

Период 1907-1912 годов тАУ период аналитического кубизма (называемого также стереометрическим или объемным). В это время происходит сенсационное преобразование художественной реальности, невиданное доселе тАУ разложение формы, в данном случае на кубы.

Художественная практика кубистов: отказ от перспективы, сокращение фигур в ракурсах, показ их одновременно с нескольких сторон, тяготение к обратной перспективе.

В 1908-1909 годах и Брак и Пикассо ищут приемы за пределами кубизма. После 1912 года начинается период так называемого тАЬсинтетическоготАЭ кубизма, именуемого также тАЬкубизмом представлениятАЭ Принцип создания художественного пространства заключался в наполнении изобразительной плоскости элементами расчлененного предмета, которые с треском сталкиваются между собой, ложатся рядом, перекрывают или проникают друг в друга. Таким образом, картина создается как нарисованный коллаж из отдельных аспектов формы, как бы разрезанный на мелкие части. Форма у кубистов предстает в виде плоского отпечатка, одновременно с разных сторон.

4. Творчество Жоржа Брака.

В нашей стране понятие ВлкубизмВ» ассоциируется с Пикассо. Между тем, сам термин ВлкубизмВ» связан не просто с Браком, но с вполне конкретной его работой ВлНатюрмортВ» (1908). Существует несколько легенд относительно этого авторства (Матисс, Модильяни, Г. Аполлинер). Но для критики кубизм сразу стал словом ругательным.

Как раз в творчестве Брака, который уже в ранней молодости смотрел, по словам критиков, Влскорее на Сезанна, чем на Ван ГогаВ», наиболее полно проявился конструктивизм. Он сумел не только показать отдельные предметы с разных точек зрения, нарушив незыблемую прежде центральную перспективу, что делали уже многие. Он показал один и тот же предмет одновременно в нескольких ракурсах. Но анализом форм далеко не исчерпывается его открытия. Один из немногих мастеров своего поколения, он сумел сохранить артистизм в цвете, соединив Влалгебру и гармониюВ».

ВлЯ не художник-революционер. Я не ищу исступления. Порыва мне достаточно. Я люблю правило, которое умеряет эмоциюВ», - утверждает Жорж Брак. Казалось бы, мысль парадоксальная для художника-новатора. Но, глядя на его работы, мы четко видим ту грань, которая отделяет его от революционности беспредметного искусства. Некоторые фрагменты изображения приобретают характер знаков-символов. Это часто почти промежуточное звено между названием-подписью и общей композицией. Но грань эту он никогда не переходит.

Артистизм для него не менее важен, чем мысль. В его поздних работах меньше ВлзагадочностиВ». Зритель сразу узнает мир обычных предметов (чем проще, тем лучше). И тут же отдается ничем не нарушаемому созерцанию скупо выразительных линейных и цветовых отношений. Объемы в отличие от раннего кубизма не выпирают из плоскости, не лезут в глаза, но трактованы весьма убедительно и декоративно (ВлНатюрморт с чайникомВ»).

Пожалуй, в графике наиболее наглядно проявился метод художника. В серии ВлГелиосВ» сама авторская нумерация листов ведет нас за мыслью автора. Причем эмоциональное начало несет не только само изображение. Оно четко отделяется линейным и цветовым контуром на плоскости листа. Остальное пространство (беспредметное) окрашено по контрасту: холодно-теплое. Вынесение дополнительных цветов за пределы основной композиции придает работам особую изысканность.

На протяжении многих лет Брак постоянно обращается к мотиву летящей птицы, в которой часто видит что-то мистическое. Летящая птица тАФ олицетворение свободы, духовного полета, самого искусства. Но это и совершенство живой формы, красота и артистизм ее движения. Здесь художник достигает вершин, когда мы просто забываем о технике, хотя она здесь изыскана и наиболее однообразна по сравнению с другими циклами. Мы просто отдаемся непосредственному общению с каждой вещью.

Вечность движения искусства в образе летящих птиц блестяще воплотил он и в лучшей своей монументальной работе тАФ росписи зала этрусков в Лувре. Творчество Брака не ограничивается живописью и графикой. Он создал утонченную и экспрессивную скульптуру, перекликающуюся с греческой архаикой. К высшим достижениям французского прикладного искусства принадлежат его витражи, ювелирные украшения. Классическими стали и его театральные работы (постановки балетов Дягилева в Париже в 20-е годы).

Жорж Брак. Пейзаж (Эстак). 1908 год.

Работы Жоржа Брака тАУ это неповторимость его видения мира и искусства, сам процесс стремительного, поистине революционного развития искусства ХХ века.

5. Пабло Руис Пикассо (1881, Малага - 1973, Мужен)

5.1. Образование. Барселона.

Многие исследователи стремятся объяснить стилистическое непостоянство художника его генами, приписывая его матери еврейское происхождение; однако семья Пикассо была самой что ни есть испанской и даже андалузской и принадлежала к среде провинциальной мелкой буржуазии. Отец художника, Хосе Руис Бласко (Пикассо - это фамилия матери художника), был живописцем средней руки и преподавал в художественной школе в Малаге, затем в лицее в Ла Корунье, куда он переехал со своей семьей в 1891, и, наконец, в Художественной школе в Барселоне, где в сентябре 1895 к нему присоединился Пабло. Именно здесь начинается его настоящее художественное образование, несмотря на пребывание в течение нескольких месяцев (зима 1897-1898) в академическом Мадриде, где он, впрочем, ничему особенно не научился, поскольку его мастерство в этой области проявилось еще раньше ("Мужчина в фуражке", 1895). Художественная атмосфера Барселоны, в которой преобладала неординарная личность архитектора Гауди (мастерская Пикассо находилась перед домом, построенным Гауди), была весьма подвержена внешним воздействиям: Ар Нуво, искусства Бердсли, Мунка и северного экспрессионизма в целом, и в гораздо меньшей степени - импрессионизма и французской живописи, за исключением Стейнлена и Тулуз-Лотрека, влияние которых вскоре проявилось и в творчестве Пикассо ("Танцовщица", 1901, Барселона, музей Пикассо). Каталонские художники, с которыми Пикассо знакомится в кафе "Четыре кота", заново открывают Эль Греко, Сурбарана, средневековую каталонскую скульптуру, Испанию, более непосредственную и страстную, чем это допускалось официальным обучением. Эта провинциальная и романтическая интеллигенция была глубоко пронизана социальными интересами и отличалась настоящей необузданностью анархических кругов. Пикассо, казалось, сильно переживал нищету и духовное убожество проституток и пьяниц, завсегдатаев кабаре и домов свиданий Баррио Чино; в них Пикассо нашел основные черты своих персонажей и темы будущего "голубого" периода (1901-1905).

5.2. Первые поездки в Париж. "Голубой" и "розовый" периоды.

В 1900 Пикассо впервые побывал в Париже, где он сдружился с Исидро Ноньелем, наиболее близким ему каталонским художником, но оказавшим на него гораздо меньшее влияние, чем этого хотят некоторые испанские исследователи. Он вновь приезжает в Париж в 1901 и 1902, и окончательно в 1904. Несмотря на парижскую тональность некоторых картин того времени ("Любительница абсента", 1901, СанктПетербург, Гос. Эрмитаж), искусство Пикассо вплоть до 1907 сохраняет свой чисто испанский характер. Талантливый молодой живописец в одиночестве занимается в Париже изучением интернациональной живописи и вбирает в себя и с поразительной легкостью усваивает самые разные влияния: Тулуз-Лотрека, Гогена ("Жизнь", 1903, Кливленд, музей), Каррьера ("Мать и дитя", 1903, Барселона, музей Пикассо), Пюви де Шаванна, набидов ("Облокотившийся Арлекин", 1901, частное собрание), а также греческого искусства ("Водопой", сухая игла, 1905) и некоторых испанских традиций ("Старый гитарист", 1903, Чикаго, Художественный институт; "Портреты госпожи Каналье", 1905, Барселона, музей Пикассо). После произведений "голубого" периода (названного так из-за преобладающего голубого цвета), на которых изображены изможденные от работы и голода люди ("Гладильщица", 1904, Нью-Йорк, музей Соломона Гуггенхейма; "Скудная трапеза", офорт, 1904), картины "розового" периода представляют мир циркачей и бродяг ("Семья акробатов с обезьяной", 1905, Гетеборг, музей; "Девочка на шаре", Москва, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина; "Семейство комедиантов", Вашингтон, Нац. гал.).

5.3. Накануне кубизма.

Вплоть до 1906 живопись Пикассо носит спонтанный характер, остается безразличной к чисто пластическим проблемам, и художник, кажется, почти не проявляет интереса к поискам современной живописи. С 1905, и, вероятно, уже под влиянием Сезанна, он стремится придать формам больше простоты и значительности, в меньшей степени, однако, отразившейся на его первых скульптурных работах

П.Пикассо. Женский портрет. 1907 год.

("Шут", 1905), нежели в произведениях эллинизирующего периода ("Мальчик, ведущий лошадь", Нью-Йорк, Музей современного искусства). Но отказ от декоративной вычурности раннего творчества происходит во время поездки летом 1906 в Андорру, в Госоль, где он впервые обратился к "примитивизму", чувственному и формальному, который он будет разрабатывать на протяжении всей своей творческой карьеры. По возвращении Пикассо завершает портрет Гертруды Стайн (Нью-Йорк, музей Метрополитен), пишет страшных, варварских обнаженных (Нью-Йорк, Музей современного искусства), а зимой работает над "Авиньонскими девицами" (Нью-Йорк, Музей современного искусства), картиной очень сложной, в которой сочетаются различные влияния - Сезанна, испанской скульптуры и африканского искусства, которое было (хотя сам художник отрицал это) одним из основных источников кубизма ("Танец с покрывалами", 1907, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж).

5.4. Кубизм.

В 1907-1914 Пикассо работает в таком тесном сотрудничестве с Браком, что не всегда возможно установить его вклад на разных этапах кубистической революции. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), он уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки ("Фабрика в Хорта де Эбро", лето 1909, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), увеличивает и ломает объемы ("Портрет

П.Пикассо. Голова женщины. 1908 год. Акварель.

Фернанда Оливье", 1909, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины ("Портрет Канвейлера", 1910, Художественный институт). Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя первоначальная цель кубизма состояла в том. чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приемов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Брак вводят в свои картины типографский штрифт, элементы "обманок" и грубые материалы - обои, куски газет, спичечные коробки. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости, расположенные на поверхности и, на первый взгляд, почти произвольно ("Гитара и скрипка", 1913, Филадельфия, Музей искусства, собрание Аренсберга; Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910-1913 ("Портрет девушки", 1914, Париж, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду). Собственно кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре после начала Первой мировой войны, разделившей его с Браком. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 ("Три музыканта", 1921, Нью-Йорк, Музей современного искусства).

5.5. Дальнейшая жизнь и творчество.

К 1917 относится первый опыт работы Пикассо в качестве театрального художника. Он создал эскизы костюмов и декораций к постановке балета Парад для ВлРусских сезоновВ» Сергея Дягилева. В следующем году женился на одной из балерин труппы Дягилева, Ольге Хохловой.

П.Пикассо. Автопортрет. 1907 год.

В 1920-е годы Пикассо продолжал работать для театра, а также писал картины в разнообразных стилях, от неоклассики до кубизма и сюрреализма. В 1928тАФ1931 Пикассо вместе со своим старым другом Гонсалесом занимался созданием произведений из металлических сварных конструкций. В начале 1930-х годов художник сделал несколько графических серий, в том числе 30 офортов к Метаморфозам Овидия для издательства ВлСкираВ» и к Неведомому шедевру Бальзака по заказу коллекционера Амбруаза Воллара. Несколько основных мотивов, которые обычно ассоциируются с творчеством Пикассо, тАФ Минотавр, художник и модель и др., тАФ вошли в знаменитую серию офортов Сюита Воллара, над которой он начал работать в 1930. В эти годы брак Пикассо распался; его новой возлюбленной стала Мари-Тереза Вальтер.

В 1936, когда в Испании началась гражданская война, Пикассо стал на сторону республиканского правительства и в подтверждение своей лояльности принял предложение занять почетный пост директора музея Прадо. В конце апреля 1937 мир узнал о бомбардировке Герники, в результате которой маленький баскский городок был стерт с лица земли. Пикассо выразил свое отношение к происшедшему в панно Герника. Оно предназначалось для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже, а затем хранилось в нью-йоркском Музее современного искусства. В 1981, через шесть лет после смерти Франко, картина была передана в Прадо.

Во время Второй мировой войны Пикассо жил в Париже вместе с Франсуазой Жило, которая родила ему двоих детей. В 1946 мастер обратился к искусству керамики и практически собственными силами возродил в городке Валлорис на Ривьере некогда процветавшее там керамическое ремесло. Пикассо всегда интересовался новыми технологиями, а в 1947тАФ1950 разработал особую технику литографии.

В 1944 художник вступил во Французскую коммунистическую партию. Политические убеждения Пикассо, нашедшие отражение в Гернике, вновь проявились в картине Война в Корее (1951) и двух больших панно Война и Мир (1952), созданных для украшения Храма Мира в Валлорисе. В 1950-е годы прошло несколько ретроспективных выставок Пикассо; тогда же он познакомился с Жаклин Рок, на которой женился в 1961. В 1950тАФ1960-е годы художник вступил в диалог с великими мастерами прошлого: в 1954тАФ1955 он написал несколько вариаций на тему картины Делакруа Алжирские женщины, в 1957 тАФ Менин Веласкеса, а в 1959тАФ1960 тАФ Завтрака на траве Мане. В 1960-е годы Пикассо создал монументальную скульптурную композицию высотой 15 м для общественного центра в Чикаго. В 1970 художник подарил более восьмисот своих произведений музею-дворцу Агилар в Барселоне. Пикассо умер в Мужене (Франция) 8 апреля 1973.

Музей Пикассо был открыт в Барселоне, благодаря самому художнику, который в 1970 преподнес в дар городу свои работы. В 1985 музей Пикассо был открыт и в Париже (отель Сале); сюда вошли работы, переданные наследниками художника, - более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков, эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. Новые дары наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины, рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии).

Уже первые рисунки Пикассо, выполненные в барселонской художественной школе и Академии Сан-Фернандо, выглядят как произведения мастера, полностью владеющего техникой рисунка. В картине Мулен де ла Галетт (1900) чувствуется интерес девятнадцатилетнего художника к ночной жизни Парижа, особенно такой, какой ее изображал Тулуз-Лотрек. С начала 1900-х годов в творчестве Пикассо принято выделять несколько периодов, которым по огромному стилевому разнообразию и различию формального строя вряд ли можно найти параллели у других художников.

Картины Пикассо Влголубого периодаВ» отражают мир одинокого человека. Иногда в работы художника проникают лирические нотки, например в картине Голубая комната (1901, Вашингтон, галерея Филипс), но более типичны для этого периода его творчества мотивы нищеты и крайней усталости. На картине Старый гитарист (1903, Чикаго, Художественный институт) изображена удлиненная, болезненно согнутая фигура. Всепроникающий голубой цвет тАФ визуальный аккомпанемент меланхолической мелодии. Загадочность и задумчивость, разлитые в произведениях Пикассо этих лет, словно достигают предельной концентрации в большом холсте Жизнь (1903, Кливленд, Музей искусства). Молодая пара с грустью смотрит на женщину, держащую на руках ребенка.

ВлРозовый периодВ» (1905тАФ1906) отмечен радикальной переменой цвета и настроения в творчестве Пикассо. Голубоватый тон работ предшествующего периода уступил место нежным оттенкам розового и серого в сочетании с яркими цветами. В эти годы Пикассо часто изображал клоунов, акробатов и бродячих цирковых артистов. Картина Семья бродячих циркачей (1905, Вашингтон, Национальная галерея) на первый взгляд кажется свободно и широко написанной яркой виньеткой из фигур акробатов. Вглядевшись внимательнее, зритель замечает, что каждый персонаж психологически отделен от остальных и здесь царит атмосфера одиночества. К этому периоду относятся также многочисленные гравюры и первая серия скульптур.

В работах, выполненных летом 1906 в местечке Госол в испанских Пиренеях, впервые появляются симптомы решительного разрыва с классической традицией. Как Гоген, Бранкузи и фовисты, Пикассо почувствовал необходимость начать сначала, обратившись к наивному, примитивному искусству. Мягкая элегантность сменилась брутальностью массивных и жестких форм. Фигуры приобрели пластические качества древней иберийской скульптуры. Первобытная мощь чувствуется и в Портрете Гертруды Стайн (Нью-Йорк, музей Метрополитен), и в Автопортрете (1906, Филадельфия, Художественный музей).

Пикассо никогда окончательно не отказывался от сюжета, поскольку смысл кубизма во многом заключается в исследовании отношения произведения искусства к реальному миру. Например, в Натюрморте на плетеном стуле композиция, вписанная в овал, обрамлена настоящей веревкой; внутри картины оказываются сопоставленными острые кубистические плоскости, буквы JOU и то, что призвано изображать плетеное кресло (кусок клеенки от дешевой мебели). Буквы JOU можно интерпретировать как начало слова journal (газета) или понимать дословно ( jou тАФ корень французского слова jouer тАФ играть). Картина действительно является игрой, так как художник предлагает зрителю сопоставить различные уровни реальности: кусок настоящей веревки, плетенку от кресла и живописную поверхность.

Начиная с 1912 кубизм принимает новое направление развития и получает название Влсинтетического кубизмаВ». Процесс разложения форм на небольшие фрагменты сменился декоративностью, превращающей картины в плоскостные красочные панно. С 1912 широко используется техника коллажа (т.е. построения композиций из кусочков бумаги и других материалов, наклеенных на холст). В этом жанре Пикассо достиг замечательных результатов, дополняя живописные композиции подходящими по смыслу газетными иллюстрациями или фрагментами текстов. Например, он наклеивал на холст фотографию рыбацкого судна так, что получалось, будто корабль ловит рыбу в нарисованном бокале вина.

Пространство больших картин, созданных между 1913 и 1919, таких, как Арлекин (Нью-Йорк, Музей современного искусства), заполнено яркими контрастными пятнами цвета; подобные декоративные эффекты уже далеко отстоят от головоломок аналитического кубизма. Высшее достижение в этом стиле тАФ две картины с одинаковым названием Три музыканта, созданные в 1921 (Нью-Йорк, Музей современного искусства; Филадельфия, Музей искусства).

Для Пикассо в течение всего его долгого творческого пути было характерно стремление работать в нескольких разных стилях одновременно. Особенно ярко это проявилось в конце 1910-х тАФ начале 1920-х годов, когда Пикассо одновременно с кубистическими композициями создавал изысканные и утонченные рисунки, такие, как Купальщицы (Кеймбридж, шт. Массачусетс, музей Фогг). В кубизме подчеркивалась плоскостность изображенного пространства, а на позднем этапе развития стиля оно стало заполняться яркими цветными пятнами. Однако, когда Пикассо хотел передать мощь скульптурных форм, он обращался к классической стилистике, напоминавшей некоторые из его картин 1905тАФ1906. Две сидящие женщины (1920, Нью-Йорк, частное собрание) тАФ характерный пример работы в этом направлении. Крупные простые формы моделированы светом и тенью, что создает монументальный образ, почти столь же скульптурный, сколь и живописный.

5.6. тАЬАвиньонские девицытАЭ.

В 1905 г. Пикассо создает свою знаменитую серию тАЬАкробатытАЭ, тАЬДевочка на шаретАЭ, тАЬСемья акробатовтАЭ и другие композиции тАЬрозовоготАЭ периода, исполненные мягкого лиризма, еще более детализированные, близкие к натуре, чем предыдущие работы. Они не предвещают того перелома в творчестве художника, который наступает внезапно и со всей резкостью проявляется впервые в большой композиции тАЬАвиньонские девицытАЭ. Эта картина была начата в 1906 г. в манере, довольно близкой предыдущим: портрет Гертруды Стайн, тАЬДве обнаженные женщинытАЭ (обе картины написаны в 1906 г.). Но когда она была закончена, в 1907 г., в ней не осталось ничего, что напоминало бы прежнего Пикассо тАЬрозовоготАЭ периода. Пять обнаженных женских фигур, изображенных в разных ракурсах, заполняющих почти всю поверхность холста, как бы грубо вытесаны из твердого дерева или камня. Тела предельно обобщены, лица лишены выражения. Складки драпировок, составляющих фон картины, создают ощущение распада и дисгармонии.

Авиньонские девушки. П. Пикассо. 1907 год.

Картина Авиньонские девицы (Нью-Йорк, Музей современного искусства), которую Пикассо решился выставить лишь много лет спустя после ее создания, является одним из самых революционных произведений начала 20 в. На первый взгляд, это всего лишь вариация традиционного сюжета тАФ купальщицы на фоне пейзажа. Однако нарочитые смещения форм создают эффект, автономного пространства. Холст более не рассматривается как окно в иллюзорное пространство. Картина теперь не считается подражанием природе и вообще чему бы то ни было; отныне она самоценный, независимый объект.

В картине Авиньонские девицы изображение состоит из нескольких фрагментов живописных плоскостей, которые оказываются не жестко скрепленными, а находящимися в свободном движении друг относительно друга. Если зритель смотрит на верхний правый угол картины, он с большим трудом может обнаружить плоскости, разграничивающие объемы предметов и пустое пространство. Такого разделения тАФ одного из основополагающих понятий для всей предшествующей западноевропейской живописи тАФ в этой работе не существует. Искаженные формы со срезанными углами и совмещением фрагментов разных пространственных планов передают ощущение необработанности первичной материи. В поисках первобытной энергии и мощи Пикассо, как уже отмечалось, обращался к мотивам иберийской скульптуры и африканских резных деревянных масок тАФ формам примитивного искусства, которые в начале века вызывали огромный интерес у парижских художников и любителей искусства.

Замысел и композиция картины Авиньонские девицы соответствуют эстетике кубизма тАФ направления в искусстве, которое создали ок. 1909 Пикассо и Брак. Первая фаза развития этого течения (1909тАФ1912) получила название Вланалитический кубизмВ»: предметы, все еще узнаваемые, как бы разложены на составляющие их абстрактные геометрические формы. Направление развития кубизма на ранней стадии можно последовательно проиллюстрировать картинами Пикассо: Сидящая женщина (1909, Лондон, коллекция Пенроуз), Портрет Канвайлера (1910, Нью-Йорк, частное собрание) и Моя красавица (1911, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Постепенно сюжет теряет свое значение; различие между предметами и свободным пространством исчезает, композиция становится все более дробной. Вопреки расхожему мнению, в цели Пикассо и Брака не входило изображение предмета одновременно с разных точек зрения. Скорее они стремились использовать предметы как средство исследования новых пространственных отношений, которые могли существовать только внутри самой картины и не были связаны со зрительным восприятием реального мира.

Картина произвела глубоко удручающее впечатление на друзей художника. Одни сочли ее мистификацией, другие заговорили о душевной болезни автора. Ж.Брак, увидевший тАЬАвиньонских девицтАЭ одним из первых, возмущенно заявил, что Пикассо хочет заставить его тАЬесть паклю и пить керосинтАЭ. По свидетельству Гертруды Стайн, известный русский коллекционер С.И.Щукин, большой поклонник живописи Пикассо, будучи у нее после посещения мастерской художника, чуть ли не со слезами на глазах воскликнул: тАЬКакая потеря для французской живописи!тАЭ Маршаны, до того скупавшие все работы Пикассо, отказались приобрести эту картину, значение которой в 1907 г. поняли, кажется, только два человека тАУ Гийом Аполлинер и Даниель Анри К

Вместе с этим смотрят:

"Quo vadis": проекцiя на сучаснiсть

"Звезды" немого кино и русская мода 1910-х годов

"Культура": типология определений

"Рабочий и колхозница" (Из биографии В. И. Мухиной)

"Русские сезоны" в Париже